Mélisande est une jeune femme en fuite. Au prince Golaud qui la découvre en pleurs dans la forêt et lui déclare son statut et sa généalogie, elle répond venir d'ailleurs. Et c'est de cet être – et non d'une histoire – que Golaud tombe amoureux, s'occupant d'elle, l'épousant et l'emmenant dans le château de son grand-père. Là, Mélisande y rencontre Pelléas, le demi-frère du Prince. Tout est dit. Ou plutôt tout est non-dit, suggestion et projection... Un terrain fertile pour que s'y déploient l'amour interdit et sa chute violente. Une structure entre terre et ciel que Julie Duclos a souhaité habiter. Car à l'instar de l'écriture de Maurice Maeterlinck, les personnages sont « concrets et poétiques », et souvent silencieux. Pour les deviner, la metteuse en scène a imaginé une scénographie où le théâtre et le cinéma s'entremêlent,  multiplient les plans, les axes et les angles. Un procédé dramaturgique qui donne  lieu à de multiples révélations et élévations et qui rappelle que le symboliste belge a toujours cherché à voir le monde par-delà les apparences. 

Quelle Europe désirons-nous ? Et que désirons-nous être au sein de l'Europe ? Une Europe qui puisse donner une place à tous ? Une Europe qui n'impose plus le poids de décisions qui nous échappent ? En réponse à ce questionnement, Laurent Gaudé offre un poème puissant. Un regard d'ailleurs plutôt qu'une réponse. À travers une orchestration au plateau, le compositeur et metteur en scène Roland Auzet propose de faire se rencontrer des acteurs de nationalités différentes aux côtés d'un choeur de personnes de tous les âges : un Nous. Un Nous, l'Europe. Le poème s'incarne, devient visages et paroles. Il se fait entendre et nous emporte dans son flux. Le drame y côtoie l'espoir ; le chant se mêle à une scansion de désirs et d'images, l'ensemble redessine la possibilité d'une histoire collective. Nous, l'Europe, Banquet des peuples, spectacle polyphonique, fait du public une assemblée de poètes-citoyens, acteurs d'un changement. Une mosaïque de langues pour une Europe plurielle, où l'art fortifie le politique, avec le voeu que celui-ci considère l'existence de chacun.

Énée doit s'enfuir, quitter Troie en flammes avec une partie des siens. Guidé par les Dieux, traqué par la colère de Junon, il se met en quête d'une terre hospitalière où fonder une nouvelle cité. De l'Énéide, ce voyage initiatique chanté par Virgile, Maëlle Poésy et son complice le dramaturge et auteur Kevin Keiss n'ont retenu que quelques fragments choisis au fil des six premiers chants du poème épique. Ensemble, ls ont imaginé une narration du souvenir, rythmée par les départs, les arrivées, et les naufrages. Un espace-temps où le passé et l'avenir s'imbriquent en permanence dans le présent. Une recherche sensible et physique, portée à la fois par des comédiens et des danseurs, qui interroge le rapport des exilés au voyage et à la mémoire. Une pièce en constante métamorphose, où les morts parlent aux  vivants, les divinités aux hommes, où les décors se troublent, où le passé ressurgit  dans le présent, faisant de l'exil un entre-deux-mondes, une attente apatride.

2« Gardez-vous de parler des affaires d'État ! »
Sur scène, une immense structure ronde et métallique symbolisant une maison de thé pékinoise, dévoile un microcosme où divers milieux sociaux s'agitent et se mêlent. Trois époques et trois générations dialoguent et s'évertuent à résister aux assauts du temps, révélant les bouleversements de la société chinoise et l'immuabilité de la condition humaine. La roue tourne au gré des revers et des fortunes et nous sommes face au sillage de destinées humaines. Le temps passe, le pouvoir change de mains, seule la maison de thé perdure. Entre humour et tragédie, le patron et ses clients partagent leurs luttes et leurs espoirs pour contrer la corruption et l'oppression dans un élan d'humanité. Sur fond de musique électro-rock jouée en direct, Meng Jinghui adapte à la démesure et aux rythmes d'aujourd'hui ce grand classique du théâtre chinois dans un contexte culturel plus large et le fait résonner avec d'autres textes aux portées humanistes et sociales. Une traversée poétique, exaltée et libérée où le geste artistique n'est jamais éloigné du politique.

Qui du public est au clair sur Lewis ? Et qui des spectateurs croit comprendre Alice ? Avec Lewis versus Alice, Macha Makeïeff entre dans l'univers fantastique de l'immense écrivain britannique et approche le psychisme de ce poète énigmatique, indocile avec les conventions victoriennes, collectionneur bizarre, excentrique clergyman d'Oxford, photographe, logicien, spirite, célébré par les Surréalistes...Sa rêverie nous plonge dans les contradictions d'un monde trouble, où tout fluctue, se traverse et s'inverseavec humour et fragilité. Parce que « chez Lewis Carroll tout est mot, et n'est que ça, ce n'est pas dramatique, cela reste de l'ordre de la conversation dans un rêve. Cela “ se dit ” puis disparaît... » Avec la musique pop gothique, les sons et les voix d'ailleurs, le spectateur est mis à l'épreuve du surnaturel : un décor  et son envers, des personnages qui apparaissent, la pénombre et les éclats du rêve,  des jeux de langues française et anglaise... Des mondes superposés et en  miroir à l'image de Lewis-Alice qui aimait tant contredire la cruauté du réel.

« Le corps est une archive vivante. »
Des rais de lumière strient ou balayent l'espace du plateau envahi par la brume. Une structure métallique, mécanique se soulève, s'abaisse. Elle décompose la danse en segments. Les sections s'enchaînent au rythme des pulsations électroniques, nerveuses, fragiles, tranchantes, délicates. 23 fragments, choisis aléatoirement chaque soir par un algorithme, reproduisent les 23 paires de chromosomes du génome humain. Dix danseurs écrivent une vie en mouvement, dans son infinie variété de sensations et de réflexions, à travers des souvenirs piochés dans le parcours du chorégraphe. Quelle empreinte laisse le mouvement dans notre ADN ?
C'est à cette question que Wayne McGregor tente de répondre, prenant son propre corps comme objet d'étude et de perspective. Il explore les secrets de la génétique,
à la recherche de la mémoire du corps inscrite dans le séquençage de son génome. Le geste, imprimé dans ses cellules, devient souvenir, empreinte chorégraphique de
sa propre essence. S'en délivre une méditation abstraite d'une rare intensité, une expérience singulière et régénérée à chaque représentation, un reflet de la vie elle-même.

Si Eschyle a écrit Les Sept contre Thèbes, si Euripide en a produit une lecture originale avec Les Phéniciennes, et si dans Le reste vous le connaissez par le cinéma l'auteur anglais Martin Crimp convoque le mythe d'un OEdipe toujours en vie, c'est que sa succession incestueuse convoque un monde si déraisonnable que toutes les époques ont cherché à le décrypter... Daniel Jeanneteau, fasciné par ces glissements littéraires répétés, à l'image des croûtes terrestres qui procèdent par déformations continues sans jamais se séparer, a souhaité mettre en regard de cette lutte fratricide un Choeur de jeunes femmes de Gennevilliers. Dans le monde d'aujourd'hui, il est nécessaire au metteur en scène que le héros soit désormais foule et se confronte à Jocaste, Antigone, Étéocle et Polynice, ces figures incarnées par des acteurs de premier plan, pour les inviter à considérer leur destin avec une empathie à la fois drôle et incongrue. Une adresse également tournée vers les spectateurs, sommés de penser leur demain aux pieds de Thèbes, cette ville-personnage.